VANGUARDIAS ARTISTICAS

El Expresionismo Alemán

El Expresionismo, surgió como una reacción frente al impresionismo y fue en Alemania donde se desarrolló plenamente. El Expresionismo más que un estilo artístico fue un movimiento muy comprometido que se enfrentó a una realidad con la cual no estaba de acuerdo y que se dio en todas las esferas, arte, literatura, cine o música.

Desde el punto de vista artístico había una oposición, como sucedía con los otros movimientos vanguardistas, a la utilización de formas y espacios tradicionales y se buscaba un acercamiento con la realidad.

El grupo Die Brücke (El Puente), se estableció en 1905 en Dresde, fundado por Kirchner, Bleyl, Heckel y Schmidt-Rottluff, todos ellos eran estudiantes de arquitectura pero abandonaron esta carrera para dedicarse de lleno a la pintura. Al año siguiente se unieron al grupo Nolde y Pechstein y Van Dongen, y ya en 1910 lo hizo Ott

o Müller.

Las influencias en su arte fueron variadas, ya que estudiaron en profundidad las tradiciones germánicas y a sus autores más representativos Durero o Cranch, así utilizaron la xilografía( grabado sobre madera), con una gran tradición en aquel país, técnica a la que aplicaron también color y que influyó en el aspecto formal de las obras y que se tradujeron en formas angulosas y contrastadas sobre un fondo bidimensional. Por otro lado también hubo influencias de la Secesión Vienesa o de autores como Van Gogh y de escultura africana y oceánica.

Dentro de los objetivos del grupo estaba la destrucción de las reglas y la búsqueda de la espontaneidad en el acto creativo. Sobretodo para ellos el arte era algo subjetivo que dependía totalmente de su creador, en el cual lo importante era la idea. Utilizaban así formas muy simplificadas y deformadas unidas a colores muy contrastados para de esa manera intentar transmitir mejor el valor interno de las cosas.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

El Expresionismo abstracto es un estilo artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyas consecuencias múltiples han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas


Características generales

• Ausencia de toda relación con lo objetivo.
• Rechazo de todo convencionalismo estético.
• Expresión libre y subjetiva del inconsciente.
• Ejecución totalmente expontánea.
• Valoración de lo accidental y explotación del azar como recurso operativo.
• Intensidad de propósito: lo que importa es el proceso o acto de pintar más que el contenido.
• Predominio del trazo gestual en expresiones de gran virulencia y dinamismo.
• Empleo de manchas y líneas con ritmo.

MINIMALISMO

El término minimalista, en su ámbito más general, es referido a cualquier cosa que se haya desnudado a lo esencial, despojada de elementos sobrantes. Es la tendencia a reducir a lo esencial. El Minimalismo puede considerarse como la corriente artística contemporánea que utiliza la geometría elemental de las formas. Las formas son las que establecen una estrecha relación con el espacio que las rodea. Para ello el artista se fija sólo en el objeto y aleja toda connotación posible. El Minimalismo es una corriente estética derivada de la reacción al pop art.

Las obras del Minimalismo buscan la sencillez y la reducción para eliminar toda alusión simbólica y centrar la mirada en cuestiones puramente formales: el color, la escala, el volumen o el espacio circundante.

Se habla de Minimalismo refiriéndose a toda austeridad estilística, al énfasis en la geometría y la anulación de la técnica expresiva en las obras de tres dimensiones, principalmente. B. Rose señaló su carácter de objetos literales, objetos que se definían únicamente por una afirmación literal y enfática de su existencia en tanto que no querían sugerir nada más allá de sí mismos.

Los minimalistas pretenden que sus obras sean como los números, moral y metafísicamente neutrales. Que no demuestren evidencia de trabajo, pues no se valora la habilidad manual. Para ellos el trabajo es alienante, rechazan el concepto heroico de la actividad creadora y, sostienen que la labor física es lo menos importante del arte, preferían absorber ideas más que técnicas. El Minimalismo no es metáfora ni símbolo de nada.

Las características básicas del estilo minimalista son:

• ·        Abstracción total: las obras operan sólo en términos de color, superficie y formato
• ·        Economía de lenguaje y medios.
• ·        Producción y estandarización industrial.
• ·        Uso literal de los materiales.
• ·        Austeridad con ausencia de ornamentos.
• ·        Purismo estructural y funcional.
• ·        Orden.
• ·        Geometría Elemental Rectilínea.
• ·        Precisión en los acabados.
• ·        Reducción y Síntesis.
• ·        Máxima sencillez.
• ·        Concentración.
• ·        Desmaterialización.
• ·        Ausencia de contenido formal o de estructuras relacionales.
• ·        Carácter "opaco". Superficies enfáticas monocromáticas

POP - ART

El Pop Art o Arte Pop es un movimiento artístico visual, que nació tanto en Inglaterra como en Estados Unidos en la década de 1950. Surgió de algunos artistas como una reacción en contra del expresionismo abstracto, que consideraban que no era entendible para la persona común. El Pop Art se caracterizó por utilizar temas y técnicas basados en la cultura popular de producción masiva como publicidad, comics, y otros objetos culturales. El término “Pop Art” es acreditado al crítico británico Lawrence Alloway, que en 1958, se refirió así al arte popular en su ensayo The Arts and the Mass Media (Las Artes y los Medios Masivos). Sin embargo, el movimiento nació en Londres, Inglaterra, con una obra de Richard Hamilton llamada “¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?”, un collage considerado la primera obra del Pop art.

 El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc.

Andrew Warhola (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió fama mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.

Warhol utilizó medios diferentes para crear sus obras, como el dibujo a mano, la pintura, el grabado, la fotografía, la serigrafía, la escultura, el cine y la música. El Museo Andy Warhol en su ciudad natal, Pittsburgh, Pensilvania, contiene una amplia colección permanente de arte. Resulta ser el museo más grande de Estados Unidos dedicado a un solo artista.

LAND - ART

La corriente artística del Land Art nació a finales de la década de los sesenta en Estados Unidos. Este nuevo movimiento artístico persigue la construcción de la obra artística dentro del medio natural y por supuesto a través de elementos tomados de la propia naturaleza.

El Land Art surge gracias al deseo de desvincular la obra de los circuitos tradicionales del arte, museos y galerías de arte, y dotarla de un entorno único que también forma parte de la propia producción artística.

ART - CAMP

El Art Camp es una corriente que forma parte de la cultura salvadorñisima, es muy propia tomando en cuenta que lo nuestro será lo que cada idividuo, cultura o sociedad adopte como propio, razón por la que  el art camp existe en todo El Salvador, se muestra en diferentes formas,  tamaños y colores, este arte se us en la decoración excesiva y va desde los ranchos de la playa hechos de palmas de coco, las mesas con manteles coloridos y sobre este un plastico transparente, el típico bote de curtido en las pupuserías, y la salsa de tomate respectiva, el bote de chile y otros.

El Art Camp también incluye la decoración y de nuestra sala-comedor los cuales son forrados con diferentes  telas, diferentes diseños, diferentes tamaños a fin de evitar la suciedad y permanezcan atractivos por mas tiempo, asimismo los cuadros que con frecuencia se usan en la sala de la casa, en la que se puede mencionar una toalla grande con unos perros jugando "naipe", o un cuadro con una imagen cristiana, ademas de la saturacion de fotografías familiares.

Todo esto lo podemos ver normalmente en fiestas patronales, barrios, calles y plazas, ferias, en tiendas, en los sofas de nuestra casa, etc.

Se define como el arte campesino, arte que está sobrecargado o exagerado lleno de colores y formas, que da vida, a lo que nosotros lo vemos raro o de muy mal gusto, eso es art camp.

El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.

Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.

Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de fauvismo a este movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas anteriormente nombrados.